Carlo Scarpa, né à Venise en 1906 et mort à Sendai au Japon en 1978, est l’un des architectes et designers italiens les plus sensibles et poétiques du XXe siècle. Son œuvre est profondément influencée par les matériaux, le paysage, ainsi que par l’histoire et les traditions de la culture vénitienne et japonaise. Maître du détail et de l’assemblage, Scarpa a développé une écriture architecturale unique, mêlant modernité et mémoire, précision constructive et sensibilité artisanale.

Sa démarche repose sur une exploration minutieuse des matériaux — pierre, béton, verre, bois, bronze — qu’il travaillait comme un artisan autant que comme un architecte. Il considérait chaque joint, chaque bord, chaque changement d’épaisseur comme un geste signifiant. Le Japon, qu’il découvre tardivement mais intensément, renforcera encore son attrait pour l’art du détail, les proportions silencieuses, et les transitions subtiles entre les surfaces et la lumière.

Scarpa fut également un designer de verre et de mobilier de renom. Ses collaborations avec Venini dans les années 1930 et 1940 l’ont établi comme l’un des créateurs les plus raffinés de la verrerie vénitienne : vases aux textures complexes, transparences modulées, techniques de murrine et de battuto revisitées avec une précision presque sculpturale. Dans le mobilier, il privilégiait les assemblages apparents, les ferrures soignées et les matériaux nobles comme le noyer, le teck ou le laiton.

Parmi ses réalisations iconiques figurent le musée de Castelvecchio à Vérone, chef-d’œuvre absolu de restauration contemporaine ; la Tombe Brion à San Vito d’Altivole, manifeste spirituel où se fondent architecture, eau et paysage ; la Fondazione Querini Stampalia à Venise ; ainsi que ses verreries pour Venini, aujourd’hui très recherchées par les collectionneurs.
Carlo Scarpa laisse un héritage rare : un design où l’art du détail rencontre la profondeur du geste, et où le passage du temps devient matière même de l’architecture.

Andrée Putman, (1925–2013) a créé un style raffiné, graphique et contrasté, mêlant élégance classique et modernité radicale. Avec sa présence distinctive et sophistiquée, elle a laissé une impression durable sur ses contemporains, à la fois par sa personnalité et par sa vision.

Adulée aux États-Unis avec le Morgans Hotel à New York, elle est revenue en France où elle a repoussé les limites de l’espace, en pionnière d’une approche annonçant l’esprit « loft ». Son appartement de Saint-Germain-des-Prés incarnait pleinement ce langage spatial et esthétique audacieux, qui devint sa signature.

Réputée pour sa précision formelle, elle abordait le design d’intérieur comme une composition rigoureuse, à la fois structurée et expressive. Pionnière des collaborations de marques, elle a dialogué avec les artistes de son temps, de Keith Haring à Andy Warhol, et a fréquenté le Studio 54 et Le Palace à Paris, épicentres de la scène créative qu’elle partageait avec les grandes figures de la mode et de l’art.
Elle appartenait à cette génération de talents parisiens, Mugler, Alaïa, Saint Laurent, Karl Lagerfeld (un ami proche), avec lesquels elle partageait un sens intransigeant du style. À une époque où peu voyageaient à l’international, elle s’est imposée, à l’instar de Starck, comme l’une des premières designers françaises à atteindre une reconnaissance mondiale.

Son studio a formé une génération de designers, tous profondément marqués par ses exigences rigoureuses. Surnommée la « grande prêtresse du design », la « grande dame du design », ou encore la « Coco Chanel du design », son œuvre était célébrée pour sa clarté et son modernisme avant-gardiste — et son nom continue d’inspirer une émotion sincère.